Ji Sunkyung
- 나이없는 계절
Feb. 6, 2026 - March 7, 2026
나이도, 계절도 지나가는 시간성을 전제로 한다. 모두에게 똑같이 흘러가는 물리적인 시간 즉 달력의 법칙이다. 그러나 지선경은 전시 제목 《나이없는 계절》을 통해 상충하는 두 개념을 병치하며, 이러한 통념적 시간에서의 이탈을 선언한다. 계절에 나이를 부여하는 것이 인간의 셈법이라면, 작가가 말하는 '나이 없음'은 수치화된 시간에서 벗어나 감각을 마주하겠다는 의지다. 따라서 이번 전시는 계절을 물성화하는 작가의 감각에서 출발한다.
지선경은 도시의 표면, 공기의 두께, 빛의 굴절 등 일상의 미세한 징후를 감각의 단위로 인식한다. 일반적인 추상이 대상을 해체하여 본질만을 남기는 '소거'의 과정이라면, 지선경의 추상은 보이지 않는 감각의 시간을 물질화하여 시각적으로 고정하는 '구축'의 과정이다. 빛과 어둠의 경계에서 발생하는 색채와 같이 그 찰나의 현상은 작가의 손을 거쳐 견고한 조형 언어로 치환된다. 이는 단순한 현상의 재현이라기보다, 관람객의 시선과 만났을 때 비로소 완성되는 상호작용의 사건이 된다.
이러한 조형 실험은 독일에서 작업을 시작한 작가가 10년의 과정을 돌아보며, 과거의 시간을 현재와 겹쳐보려는 시도에서 심화되었다. 이는 이번 전시를 통해 계절이라는 감각의 ‘변화’로 은유된다. 작가는 일상에서 달라져가는 공기의 두께를, 미세하게 어긋난 나뭇잎의 방향을 인지하듯 서로 다른 층위가 겹쳐지는 비동시성의 공간을 감각했다. 중첩된 시간 속에서 조금씩 흘러가며 쉼 없이 변화하는 물체들의 균열은 지선경의 작품을 통해 드러난다. 보이지 않는 시간을 물질화하기 위해 작가는 에폭시를 겹겹이 적셔 그라데이션을 구축하고, 색이 변화하는 과정 그 자체를 시각화하는 등 재료의 물성을 통해 시간의 층위를 조립해낸다.
17세기 네덜란드 정물화(Still life)에서 꽃과 과일이 썩어감을 통해 삶의 유한함(Vanitas)을 경고하고 시간을 죽은 자연으로 박제했다면, 지선경의 작품은 정지해 있는 것이 아니라 생성의 과정으로 이어지고 있다. 작가는 대상을 멈춰 세우는 것이 아니라, 그것이 변화하고 숙성되는 시간의 궤적 자체를 시각화한다. 예를 들어 전시장 바닥에 전시된 멜론 형상의 구체들은 그라데이션된 레진을 통해 익어가는 과정을 응축하며, ‘의미화되기 직전’의 상태를 물성으로 증명한다. 단단한 타조알 껍데기를 활용해 만든 ‘포도’에는 그것에 달라붙었을 시간의 잔여물들이 기호처럼 덕지덕지 붙어있다. 와인 오프너의 스크류가 박힌 딸기 형상은 숙성과 개봉이라는 시간의 연속성을 은유한다. 변화하는 해의 위치가 만들어낸 그림자는 끊겼다 이어지며 어긋난 시간들을 만들어내고, 특히 가을에서 겨울까지 이어지는 피라칸사스 열매는 헨젤과 그레텔의 빵 부스러기처럼, 작가가 지나온 사건의 알맹이들이 되어 회화의 표면 위에서 끊임없이 시간의 길을 잇는다.
그리하여 지선경의 작업은 마치 우리가 지도에서 위도와 경도를 찍듯, 흐르는 시간 위에 감각의 좌표를 새기는 일과 같다. 보이지 않는 시간을 2차원의 평면으로, 3차원의 조각으로 구현해 낸 그의 작업은 스스로 정의한 바와 같이 ‘잔여적 추상’의 형태를 띠게 된다. 이번 전시는 관람객에게 시간의 흐름을 수동적으로 받아들이는 것이 아니라, 작가가 구축한 ‘비동시적 시간’의 구조 안에서 각자의 감각을 능동적으로 재배열해보기를 제안한다.
지선경은 도시의 표면, 공기의 두께, 빛의 굴절 등 일상의 미세한 징후를 감각의 단위로 인식한다. 일반적인 추상이 대상을 해체하여 본질만을 남기는 '소거'의 과정이라면, 지선경의 추상은 보이지 않는 감각의 시간을 물질화하여 시각적으로 고정하는 '구축'의 과정이다. 빛과 어둠의 경계에서 발생하는 색채와 같이 그 찰나의 현상은 작가의 손을 거쳐 견고한 조형 언어로 치환된다. 이는 단순한 현상의 재현이라기보다, 관람객의 시선과 만났을 때 비로소 완성되는 상호작용의 사건이 된다.
이러한 조형 실험은 독일에서 작업을 시작한 작가가 10년의 과정을 돌아보며, 과거의 시간을 현재와 겹쳐보려는 시도에서 심화되었다. 이는 이번 전시를 통해 계절이라는 감각의 ‘변화’로 은유된다. 작가는 일상에서 달라져가는 공기의 두께를, 미세하게 어긋난 나뭇잎의 방향을 인지하듯 서로 다른 층위가 겹쳐지는 비동시성의 공간을 감각했다. 중첩된 시간 속에서 조금씩 흘러가며 쉼 없이 변화하는 물체들의 균열은 지선경의 작품을 통해 드러난다. 보이지 않는 시간을 물질화하기 위해 작가는 에폭시를 겹겹이 적셔 그라데이션을 구축하고, 색이 변화하는 과정 그 자체를 시각화하는 등 재료의 물성을 통해 시간의 층위를 조립해낸다.
17세기 네덜란드 정물화(Still life)에서 꽃과 과일이 썩어감을 통해 삶의 유한함(Vanitas)을 경고하고 시간을 죽은 자연으로 박제했다면, 지선경의 작품은 정지해 있는 것이 아니라 생성의 과정으로 이어지고 있다. 작가는 대상을 멈춰 세우는 것이 아니라, 그것이 변화하고 숙성되는 시간의 궤적 자체를 시각화한다. 예를 들어 전시장 바닥에 전시된 멜론 형상의 구체들은 그라데이션된 레진을 통해 익어가는 과정을 응축하며, ‘의미화되기 직전’의 상태를 물성으로 증명한다. 단단한 타조알 껍데기를 활용해 만든 ‘포도’에는 그것에 달라붙었을 시간의 잔여물들이 기호처럼 덕지덕지 붙어있다. 와인 오프너의 스크류가 박힌 딸기 형상은 숙성과 개봉이라는 시간의 연속성을 은유한다. 변화하는 해의 위치가 만들어낸 그림자는 끊겼다 이어지며 어긋난 시간들을 만들어내고, 특히 가을에서 겨울까지 이어지는 피라칸사스 열매는 헨젤과 그레텔의 빵 부스러기처럼, 작가가 지나온 사건의 알맹이들이 되어 회화의 표면 위에서 끊임없이 시간의 길을 잇는다.
그리하여 지선경의 작업은 마치 우리가 지도에서 위도와 경도를 찍듯, 흐르는 시간 위에 감각의 좌표를 새기는 일과 같다. 보이지 않는 시간을 2차원의 평면으로, 3차원의 조각으로 구현해 낸 그의 작업은 스스로 정의한 바와 같이 ‘잔여적 추상’의 형태를 띠게 된다. 이번 전시는 관람객에게 시간의 흐름을 수동적으로 받아들이는 것이 아니라, 작가가 구축한 ‘비동시적 시간’의 구조 안에서 각자의 감각을 능동적으로 재배열해보기를 제안한다.
Both age and seasons are premised on the passage of time. They follow the physical laws of the calendar—time that flows equally for everyone. However, in the exhibition title Season Without Age, Ji Sunkyung juxtaposes these two conflicting concepts, declaring a departure from such conventional notions of time. If assigning an age to a season is a human method of calculation, the artist’s agelessness represents a will to escape numerical time and confront pure sensation. Consequently, this exhibition originates from the artist's sensibility in materializing the seasons.
Ji Sunkyung perceives the subtle signs of daily life—the surface of the city, the thickness of the air, the refraction of light—as units of sensation. While general abstraction is often a process of elimination, deconstructing an object to leave only its essence, Ji’s abstraction is a process of construction, materializing and visually anchoring the invisible time of sensation. Like colors emerging at the boundary between light and shadow, these fleeting phenomena are translated into a robust formal language through the artist's hands. Rather than a mere reproduction of a phenomenon, it becomes an event of interaction that is only completed when it meets the viewer's gaze.
This formal experimentation deepened as the artist, who began her career in Germany, looked back on her ten-year journey and attempted to overlap past time with the present. In this exhibition, this is metaphorized as the change in the sensation of seasons. Just as one perceives the shifting thickness of the air or the minutely misaligned direction of leaves in daily life, the artist sensed a space of non-contemporaneity where different layers overlap. Through Ji’s work, the cracks in objects—shifting and incessantly changing within overlapping time—are revealed. To materialize invisible time, the artist assembles layers of time through the physical properties of her materials, saturating epoxy in layers to build gradients and visualizing the very process of color transformation.
In 17th-century Dutch Still Life, the decay of flowers and fruit warned of the transience of life (Vanitas), taxidermying time as dead nature. In contrast, Ji Sunkyung’s work does not stand still but continues as a process of becoming. Instead of freezing the subject, she visualizes the very trajectory of time in which it changes and matures. For instance, the melon-shaped spheres on the gallery floor condense the ripening process through gradated resin, proving the state of being just before becoming meaningful through materiality. In Grapes, made using hard ostrich eggshells, the residues of time are encrusted like signs. A strawberry form pierced by a wine opener’s screw metaphorizes the continuity of time between maturation and uncorking. Shadows created by the shifting sun break and reconnect, creating disjointed times. In particular, the Pyracantha berries—stretching from autumn to winter—act like Hansel and Gretel’s breadcrumbs: kernels of events the artist has passed through, continuously paving a path of time upon the surface of the painting.
Ultimately, Ji Sunkyung’s work is akin to engraving coordinates of sensation onto the flow of time, much like marking latitude and longitude on a map. Her work, which embodies invisible time into 2D planes and 3D sculptures, takes the form of what she defines as Residual Abstraction. This exhibition invites viewers not to passively accept the flow of time, but to actively rearrange their own senses within the structure of non-contemporaneous time constructed by the artist.
Ji Sunkyung perceives the subtle signs of daily life—the surface of the city, the thickness of the air, the refraction of light—as units of sensation. While general abstraction is often a process of elimination, deconstructing an object to leave only its essence, Ji’s abstraction is a process of construction, materializing and visually anchoring the invisible time of sensation. Like colors emerging at the boundary between light and shadow, these fleeting phenomena are translated into a robust formal language through the artist's hands. Rather than a mere reproduction of a phenomenon, it becomes an event of interaction that is only completed when it meets the viewer's gaze.
This formal experimentation deepened as the artist, who began her career in Germany, looked back on her ten-year journey and attempted to overlap past time with the present. In this exhibition, this is metaphorized as the change in the sensation of seasons. Just as one perceives the shifting thickness of the air or the minutely misaligned direction of leaves in daily life, the artist sensed a space of non-contemporaneity where different layers overlap. Through Ji’s work, the cracks in objects—shifting and incessantly changing within overlapping time—are revealed. To materialize invisible time, the artist assembles layers of time through the physical properties of her materials, saturating epoxy in layers to build gradients and visualizing the very process of color transformation.
In 17th-century Dutch Still Life, the decay of flowers and fruit warned of the transience of life (Vanitas), taxidermying time as dead nature. In contrast, Ji Sunkyung’s work does not stand still but continues as a process of becoming. Instead of freezing the subject, she visualizes the very trajectory of time in which it changes and matures. For instance, the melon-shaped spheres on the gallery floor condense the ripening process through gradated resin, proving the state of being just before becoming meaningful through materiality. In Grapes, made using hard ostrich eggshells, the residues of time are encrusted like signs. A strawberry form pierced by a wine opener’s screw metaphorizes the continuity of time between maturation and uncorking. Shadows created by the shifting sun break and reconnect, creating disjointed times. In particular, the Pyracantha berries—stretching from autumn to winter—act like Hansel and Gretel’s breadcrumbs: kernels of events the artist has passed through, continuously paving a path of time upon the surface of the painting.
Ultimately, Ji Sunkyung’s work is akin to engraving coordinates of sensation onto the flow of time, much like marking latitude and longitude on a map. Her work, which embodies invisible time into 2D planes and 3D sculptures, takes the form of what she defines as Residual Abstraction. This exhibition invites viewers not to passively accept the flow of time, but to actively rearrange their own senses within the structure of non-contemporaneous time constructed by the artist.
